Du 12 septembre au 23 décembre 2007

Fondation Henri Cartier Bresson
2 impasse Lebouis
75014 Paris

Tel : 01 56 80 27 00

Du mardi au dimanche de 13h à 18h30 - dernière entrée 30 mn avant la fermeture
Le samedi de 11h à 18h45
Nocturne le mercredi jusqu’à 20h30
Fermé lundi et jours fériés (sauf 25 mai et 11 novembre)

Plein tarif : 3 €
Tarif réduit : 5 €
Gratuit en nocturne le mercredi (18h30 – 20h30)

Helen Levitt est l’une des figures emblématiques de la photographie documentaire du 20e siècle. Henri Cartier-Bresson avait choisi l’une de ses images pour l’exposition inaugurale de la Fondation HCB, Les Choix d’Henri Cartier-Bresson (2003). La Fondation HCB est heureuse de rendre hommage aujourd’hui à une oeuvre majeure, longue de plus d’un demisiècle.

Helen Levitt a 94 ans. Elle vit toujours à New York, sa ville de prédilection, celle qui l’a vu naître et qui a constitué la scène fondamentale de son oeuvre. Depuis ses débuts, dans les années 1930, et pendant plus de 50 ans, elle a inlassablement observé les habitants de ces quartiers, souvent modestes : Brooklyn, Harlem, Lower East Side ; les enfants surtout, leurs graffitis sur les murs et sur les trottoirs, le peuple des rues - l’énergie, la poésie et la beauté émanant de leur quotidien. Les photographies d’Helen Levitt magnifient l’imaginaire des enfants ; elles montrent aussi la richesse de la société américaine, l’effervescence du melting-pot en train de se former dans les rues de New York.

Photographe de l’humain et de l’intime, Helen Levitt n’a jamais été photojournaliste, à la différence de ses contemporains engagés dans les années 1930 dans la FSA tels que Ben Shahn ou Walker Evans - qui disait que le travail d’Helen Levitt pourrait être qualifié «d’antijournalisme». Helen Levitt a observé sa société comme artiste-photographe, documentariste sociale malgré elle. Avec James Agee, qui avait également travaillé avec Walker Evans (Let us Now Praise Famous Men, 1941), elle réalisa en 1945 son premier ouvrage, publié en 1965 : A Way of Seeing

Helen Levitt ne parle pas, ni d’elle ni de son oeuvre : elle observe sans interférer, sans volonté didactique, sans message à délivrer. Son travail est « à la fois lyrique, méditatif, énigmatique, exubérant et réaliste », comme l’exprimait Sandra Phillips dans son essai publié en 1992 lors de l’exposition d’Helen Levitt au San Francisco Museum of Modern Art.

Inspirée par le surréalisme, le cinéma de Jean Cocteau, les photographies d’Atget, de Ben Shahn ou de Weegee - Helen Levitt avait par ailleurs rencontré Walker Evans et Cartier-Bresson au début des années 1930. Ces deux amitiés ont eu une influence indiscutable sur sa détermination à devenir photographe elle-même, puis sur sa façon de vivre sa passion. Comme Cartier-Bresson, elle adopta le Leica, et elle partit pour la seule et unique fois de sa vie en voyage, au Mexique en 1943. Elle servit d’ « alibi » à Walker Evans quand il réalisait sa fameuse série sur le métro new yorkais. Accompagné, il passait plus inaperçu. Helen Levitt réalisera à son tour une série dans les années 1960.

Helen Levitt s’est par ailleurs beaucoup intéressée au cinéma. Elle réalisa deux films en collaboration avec James Agee et Janice Loeb, considérés comme précurseurs du cinéma américain indépendant : The Quiet One en 1949, puis In the Street en 1952. Ils seront projetés régulièrement durant l’exposition.

L’exposition de la Fondation HCB rassemble une centaine de photographies, noir et blanc et couleur, emblématiques ou inédites, réalisées entre les années 1930 et 1980, pour la plupart à New York, mais aussi de rares images de son voyage au Mexique - mises en parallèle avec celles que Cartier-Bresson y avait réalisées quelques années auparavant. Réputée pour son travail noir et blanc, Helen Levitt avait par ailleurs reçu en 1959 une bourse Guggenheim pour étudier les techniques de la photographie couleur (la bourse fut renouvelée en 1960). Son travail couleur, moins connu, compte néanmoins des images devenues célèbres, comme cette petite fille mystérieusement accroupie dans un caniveau devant une voiture d’un vert presque fluorescent. L’ensemble de ses premières prises de vues en couleur fut volé au début des années 1970. Mais Helen Levitt reprit son travail, et en 1974 le MoMA organisa une projection continue de 40 de ses photographies couleur : une manière innovatrice de présenter son oeuvre, et une nouvelle consécration.

La plupart des tirages exposés à la Fondation HCB a été empruntée à la galerie Laurence Miller de New York, qui la représente, mais aussi à des institutions publiques françaises et à des collectionneurs privés. La majorité des tirages noir et blanc sont des tirages d’époque, notamment des séries très émouvantes de petits vintages apportant un nouvel éclairage sur des images emblématiques. Les tirages couleurs, une trentaine, d’une modernité exceptionnelle, sont des dye transfers, procédé aujourd’hui quasiment disparu.

Le talent d’Helen Levitt a été reconnu très tôt par les grandes institutions américaines : Steichen lui consacra une exposition individuelle en 1943 au Musée d’Art Moderne de New York (MoMA). La Fondation HCB est heureuse de rendre hommage à son tour, plus de cinquante années plus tard, au travail de cette « photographe rebelle dotée d’un esprit libre, frondeur et merveilleux » (Agnès Sire).

http://www.henricartierbresson.org

Jusqu'au 2 décembre 2007

Atelier showroom Hubert Karaly
21-23 rue lucien sampaix
75010 Paris

jusqu'au 2 décembre

Ouvert tous les jours 12h-19h

Entrée libre

Magali Joannon présente une série d’oeuvres extraites d’un journal intime composé lors d’un parcours en été. Cette ballade sur ces plages impose un rythme silencieux et répétitif, ces installations estivales, caravanes, personnages face à la mer, tentes s’alternent pour exprimer l’étendue de sa vision.
Le regard reste toujours distant, accentué par une nette séparation entre le photographe et le sujet photographié. Et l’observation résolument discrète comme pour espionner sans pour autant ne dévoiler aucun visage.

Sa recherche artistique est profondément liée à l’observation discrète de son environnement et aux souvenirs qu’il évoque.
L’artiste semble parcourir certains endroits dans l’espoir de retrouver des émotions disparues, des traces d’intimité, des lieux qui pourraient être des indices d’un passé encore présent dans la mémoire.
Le résultat poétique et silencieux développe un langage évanescent et onirique.

Ainsi ces images élégantes évoquent presque un autre temps, c’est un peu comme si on les sortait d’un tiroir après plusieurs années ou comme si on les regardait à travers un filtre qui confondrait présent et mémoire.

Du 18 septembre au 18 novembre 2007

Jeu de Paume
Site sully
Hotel de Sully
62 rue Saint Antoine
75004 Paris
Tel : 01 42 74 47 75

Mardi à vendredi : 12h à 19h
Samedi et dimanche : 10h à 19h
Fermeture le lundi

Plein tarif : 5 €
Tarif réduit : 2,50 €

Un billet groupé pour les sites Concorde et Sully est disponible :
- Plein tarif, 8 €
- Tarif réduit, 4 €
Ce billet est valable pendant toute la durée des expositions sur le deuxième site.

Abonnement annuel
"Laissez-passer" du Jeu de paume valable un an à compter de l'inscription.
Plein tarif : 31 €
Tarif réduit : 23 €
Duo : 46 €

 

Cette exposition porte un nouveau regard sur l'œuvre de Roger Parry dont les différentes étapes ont pour dénominateur commun le monde de l'édition. C'est à travers cet axe que l'on peut comprendre l'évolution de sa pratique photographique.

Roger Parry est connu pour son travail réalisé entre 1929 et 1932. C'est à cette période qu'il fait la connaissance de Maurice Tabard auprès duquel il découvre les richesses créatives de la photographie. Ses expérimentations qui associent prise de vue directe et manipulation à la chambre noire donneront jour aux illustrations publiées dans Banalité de Léon Paul Fargue, pour lesquelles il sera reconnu de ses pairs.
De Banalité à Tahiti, illustrateur aux éditions de la NRF ou collaborateur d'André Malraux, Roger Parry jonglera entre l'art de voir et de faire voir. Véritable scénographe, il ne cessera de mettre en scène sa production photographique.

L'exposition composée de 200 épreuves originales, dessins, livres, maquettes de livres, films et documents se construit autour de quatre axes principaux :
— la fulgurante apparition de Roger Parry sur la scène photographique
— la littérature mise en scène (années 1930)
— l'orientation documentaire / Roger Parry et le dessin
— les écrits sur l'art : la reproduction de l'œuvre et la mise en page

Exposition en partenariat avec evene.fr, À nous Paris et Le Magazine littéraire

http://www.jeudepaume.org

Du 18 septembre 2007 au 16 décembre 2007

BNF
Site Richelieu - Galerie de photographies
58 rue de Richelieu
75002 Paris

Métro : Lignes 3 (Bourse),1 et 7 (Palais-Royal), 7 et 14 (Pyramides)
Bus 20, 29, 39, 67, 74 , 85

Mardi-samedi de 10 h à 19 h. Dimanche de 13 h à 19 h.
Fermé lundi et jours fériés.

Tarif plein : 7.00 euros
Tarif réduit : 5.00 euros

Visites guidées :
• Individuelles : information et réservation obligatoire au 01 53 79 40 43
• Pour les groupes : information et réservation obligatoire même pour les visites libres au 01 53 79 49 49

 

La Société de géographie conserve dans ses fonds, déposés à la BnF, une superbe collection de photographies rassemblant les dons de ses membres et correspondants français ou étrangers. Ces clichés, en correspondance intime avec les autres documents de la Bibliothèque - récits de voyage, cartes, dessins ou manuscrits - reflètent les centres d'intérêt des savants géographes du XIXe siècle et témoignent de la place acquise par la photographie dans le discours géographique. L'exposition restitue trois regards sur les lieux et les hommes : l'exploration du monde, le témoignage des bouleversements qui le secouent, la passion de l'inventaire.
L'essor de la photographie permet de rapporter les premières images de régions et de peuples jusque-là ignorés et de renouveler l'imaginaire occidental de l'ailleurs. Etendre la sphère des connaissances géographiques, encourager les voyages de découverte : telles sont précisément les missions de la Société de géographie, créée à Paris en 1821.
Attentive aux profonds bouleversements nés de la révolution industrielle, la Société se passionne pour cette nouvelle géographie économique qui transforme les paysages et fait de la photographie l'auxiliaire moderne et rapidement indispensable de la nouvelle description du monde qui s'ébauche progressivement. Elle est un outil déterminant pour les missions archéologiques, pour les relevés géographiques ou géologiques, pour les travaux ethnologiques ou anthropologiques. L'inventaire du monde, qu'elle retrace trouve un écho naturel dans le champ d'action pluridisciplinaire de la Société de géographie.

http://www.bnf.fr

Du 09 octobre au 30 décembre 2007

Jeu de Paume
Site Concorde
1 place de la Concorde
75008 Paris
Tel : 01 47 03 12 50

Ouvert
Mardi (nocturne) : 12h à 21h
Mercredi à vendredi : 12h à 19h
Samedi et dimanche : 10h à 19h
Fermeture le lundi

Fermeture le 25 décembre

Entrée : 6 €
Tarif réduit : 3 €

Un billet groupé pour les sites Concorde et Sully est disponible :
- Plein tarif 8 €
- Tarif réduit 4 €
Ce billet est valable pendant toute la durée des expositions sur le deuxième site

 

Cette exposition est la première rétrospective en Europe de l'œuvre d'Edward Steichen, organisée à partir de 450 photographies d'époque (vintages) et divers documents.

Esprit curieux et inventif, Edward Steichen (1879-1973) est l'un des photographes les plus prolifiques et influents de l'histoire de la photographie au XXe siècle. Cet américain d'origine luxembourgeoise co-fonde avec Alfred Stieglitz en 1902 le groupe Photo Secession, et participe activement à la revue Camera Work. Il est à la fois peintre et photographe. Comme photographe, il réalise des portraits, des paysages, des natures mortes, des nus ; il exerce ses talents dans la photographie de mode, de danse, de théâtre, de fleurs, dans la publicité, ainsi que dans la photographie de guerre et la photographie aérienne. Aucun genre, semble-t-il, n'échappe à son œil novateur. Graphisme, typographie, direction artistique offrent aussi un terrain fertile à sa créativité.
Condé Nast, séduit par ses photographies pictorialistes, lui confie en 1923 la direction artistique de Vogue et de Vanity Fair.
Il sera aussi conservateur de la photographie au MoMA. La célèbre exposition qu'il y organise, The Family of Man, circule à partir de 1955, et touche environ dix millions de visiteurs à travers le monde. Ce sera le couronnement de sa carrière.

Cette exposition est organisée par la Foundation for the Exhibition of Photography (Minneapolis) et le Musée de l'Elysée (Lausanne), en collaboration avec le Jeu de Paume.

Elle est présentée avec le soutien de Neuflize Vie et de la Manufacture Jaeger-LeCoultre, et en partenariat avec Le Figaroscope, Vogue, Arte et FIP

http://www.jeudepaume.org

Du 10 octobre 2007 au 6 janvier 2008

Maison Européenne de la Photographie (MEP)
5 / 7 rue de Fourcy, 75004 Paris
Tel : 01 44 78 75 00

Métro : Saint-Paul, Pont-Marie ou Hôtel-de-Ville
Bus : 67, 69, 96,76, 72

Ouvert tous les jours de 11 heures à 20 heures, sauf les lundis, mardis et jours fériés.
Accès à la billetterie jusqu'à 19 heures 30

Plein tarif : 6€
Tarif réduit : 3€
Tarif groupe : 3€ (à partir de 10 personnes) sur réservation
Visite avec conférencier : forfait de 138 € pour un groupe de personnes (jusqu'à 30 personnes) sur réservation

Larry Clark : "Tulsa, 1963 1971"
Du 10 octobre 2007 au 6 janvier 2008

Après avoir étudié à la Layton School of Art de Milwaukee (Wisconsin), Larry Clark revient en 1963 dans sa ville natale où il se photographie lui et ses amis pendant huit ans. Alors âgé d'une vingtaine d'années, il fait état sans aucune concession de la dérive d'une certaine jeunesse américaine perdue entre drogue, sexe et violence. Recueillies dans un ouvrage intitulé Tulsa, ces photographies sont à la fois un journal intime et un document rare sur l'ennui et la misère de l'Amérique profonde.
Publié en 1971 par Ralph Gibson (Lustrum Press), Tulsa a fait scandale auprès de la scène artistique, mais reste un ouvrage de référence pour bon nombre de photographes contemporains.

Livres de nus, une anthologie. La collection d'Allesandro Bertolotti
Du 10 octobre 2007 au 6 janvier 2008

Passionné de photographie, Alessandro Bertolotti est considéré comme l'un des plus importants collectionneurs de livres de nus. Sa collection, débutée il y a plus de trente ans, permet d'explorer la création photographique depuis les premiers clichés académiques jusqu'aux avant-gardes les plus audacieuses. L'exposition révèle l'évolution de la représentation du corps en fonction des contextes historiques et sociaux de chaque époque et de chaque pays. Elle présente les ouvrages de tous les photographes, célèbres ou peu connus, qui ont fait l'histoire de la photographie de nu : Fred Holland Day, Germaine Krull, Sasha Stone, Brassaï, André Kertész, Bill Brandt, Eikoh Hosoe, Pierre Molinier, Les Krims, Nobuyoshi Araki, Robert Mapplethorpe, George Dureau, Joel Peter Witkin, Lee Friedlander …

Martine Barrat : "Harlem in my heart"
Du 10 octobre 2007 au 6 janvier 2008

Photographe, vidéaste et metteur en scène, Martine Barrat quitte Paris en 1968 pour s'installer à New York. Elle y coordonne un atelier de théâtre, de vidéo et de musique avec un groupe de jazz de Saint Louis. Son travail avec les enfants des quartiers du South Bronx et de Harlem ne cesse de l'inspirer. De 1973 à 1978, elle réalise une série vidéo sur la vie des membres des gangs. Cette série intitulée " You do the Crime, you do the Time" est présentée au Whitney Museum of American Art de New York et reçoit le prix du meilleur documentaire à Milan. En 1977, elle débute un travail photographique sur Harlem. Elle porte un regard particulièrement humain et chaleureux sur une population en marge, souvent méconnue.

Choi : Autoportraits aux enfers
Du 10 octobre 2007 au 6 janvier 2008

Né à Hong Kong en 1949, Choi arrive à Paris à l'âge de 16 ans. Il exerce diverses professions dans le domaine des Arts graphiques tout en suivant une formation aux Beaux-Arts. Il se consacre à la photographie et collabore dans de nombreux laboratoires parisiens en tant que tireur. En 1997, il co-fonde le laboratoire Cyclope avec Jean Barbier. Considéré comme le tireur le plus doué de sa génération, non seulement admirable technicien mais surtout personnalité inspirée, il est sollicité par les plus grands photographes. Depuis 2005, tout en continuant de pratiquer son métier de tireur, il entreprend un travail personnel sur la figure et l'autoportrait.

 

Rogério Reis : "Micro ondes"
Du 10 octobre au 25 novembre 2007

Né à Rio de Janeiro en 1954, Rogério Reis a longtemps pratiqué le photojournalisme en collaborant avec les principaux journaux et magazines brésiliens et étrangers. Il s'est ensuite consacré, à partir des années 1990, à des projets personnels.
L'exposition présente une installation "Micro-ondes", devoir de mémoire sur les pratiques particulièrement violentes et barbares en cours au Brésil. Dans certaines favelas de Rio, de jeunes trafiquants d'armes et de drogue torturent et condamnent à mort leurs ennemis dans des "micro-ondes", sorte de crématoriums improvisés dans des pneus arrosés d'essence auxquels ils mettent le feu. Cette "méthode" ne laisse aucune trace des corps calcinés, les victimes ne peuvent être identifiées par la police et les coupables sont, de ce fait, rarement jugés. L'installation rend hommage à ses amis victimes de ces crimes.

Martin d'Orgeval : "REQUISITOIRE" , Le plancher de Jean
Du 10 octobre 2007 au 6 janvier 2008

Dans la tradition documentaire, Martin d'Orgeval a photographié le Plancher de Jean, manifeste posthume d'un jeune homme schizophrène qui, à la suite du décès de sa mère en 1971, grave ses hallucinations et son mal-être sur le plancher de sa chambre. Cette série révélatrice de la gravité que peuvent atteindre certains troubles psychologiques quand ils ne sont pas reconnus, relève de l'art brut. Dans un souci de vérité et d'objectivité, Martin d'Orgeval a posé son appareil à la place où Jean se trouvait quand il a incisé le sol de sa chambre: tout près des mots, comme accroupi ou à genoux, ou bien à la distance d'une personne debout, qui permet une vue plus large mais jamais complète du texte.
Le Plancher de Jean est présenté à l'Hôpital Sainte-Anne.

Romain Osi : "Uscita"
Du 10 octobre 2007 au 6 janvier 2008

Né en 1980 à Paris, Romain Osi est membre de l'agence Picture Tank. Photographe de l'errance, il a parcouru, de février 2004 à avril 2006, 16 000 km sur les autoroutes européennes. Sans autre but que celui de se perdre dans les méandres de l'asphalte, il est parti vers l'inconnu dans ce qui s'apparente à une quête de soi et de l'autre. L'univers qui émerge de cette exposition relève à la fois du rêve éveillé et du cauchemar. L'autoroute de Romain Osi est peuplée de visions hypnotiques : un camion lancé plein phares dans la nuit, des routiers solitaires, des voyageurs à la dérive… L'aspect hallucinatoire et énigmatique de ces photographies est renforcé par un travail subtil sur la lumière et la couleur. L'exposition présente également un film qu'il a réalisé lors de son voyage.

 

Hussein Aga Khan : "Animal voyage"
Du 15 décembre 2007 au 6 janvier 2008

À l'opposé d'une photographie animalière qui aboutit souvent à l'"animal-spectacle", Hussain Aga Khan donne à voir des images douces qui traduisent le trouble et l'envie qui nous saisissent quand, face à un animal, surgit en nous le désir de quitter notre enveloppe humaine pour courir, grimper, ou voler à ses côtés.
S'attachant à photographier des espèces dont certaines auront peut-être disparu dans peu de temps, Hussain Aga Khan a décidé d'offrir au service pédiatrique et à l'unité fonctionnelle d'oncologie pédiatrique de l'Hôpital Raymond Poincaré, à Garches, une sélection de ses plus beaux portraits d'animaux, afin d'animer les chambres et les salles communes des enfants hospitalisés.
La MEP se fait l'écho de cette exposition réservée à ces jeunes patients, en présentant une série de grands tirages qui seront ensuite vendus aux enchères, au profit de la Fondation Garches.

http://www.mep-fr.org/

Du 12 septembre 2007 au 20 janvier 2008

Parc de la Villette, Halle de la villette
Paris 19e
M° Porte de Pantin (ligne 5) - Bus 75, PC, 151
Parking : suivre fléchage "Parc de la Villette Sud"

Du mardi au vendredi de 10h à 18 h, samedi et dimanche de 11h à 19h
A compter du 26 octobre, nocturne le vendredi jusqu'à 22h.
(fermeture des caisses 1/2 heure avant la fermeture de l’exposition)

Plein tarif 10 € – Tarif réduit* 8 € Moins de 16 ans 5 € – Carte Villette gratuit
Gratuit pour l’accompagnateur d’une personne handicapée – Tick’Art® acceptés

 

À l’occasion de sa réouverture, après deux ans de travaux de rénovation, la Grande Halle accueille “Bêtes et Hommes” et renoue ainsi avec la tradition des grandes expositions qui, de “Cités Cinés” au “Jardin Planétaire”, ont fait son succès.
Sur 3500 m2, dans une scénographie étonnante, l’exposition “Bêtes et Hommes” interroge la manière dont les humains et les animaux entrent en relation dans le monde d’aujourd’hui.
Sous un angle inédit, en considérant l’animal pour lui-même – un être vivant à part entière – et non pour ce que ses représentations symboliques disent de l’homme, l ’exposition montre comment, à travers des pratiques concrètes, humains et animaux se sont mutuel lement transformés. Les animaux, comme les humains, ont une histoire ; ils interprètent le monde où ils agissent et modifient leurs comportements en fonction de ce qu’ils perçoivent.
Les découvertes les plus récentes de l ’éthologie révèlent des compétences jusque-là attribuées aux seuls humains ; les savoirs non scientifiques de ceux qui "font équipe" avec les animaux (éleveurs, bergers, soigneurs, propriétaires d’animaux domestiques) signalent des aptitudes inattendues.
À partir de situations singulières qui toutes associent un humain et un animal, “Bêtes et Hommes” propose une autre façon de penser le vivant, en questionnant sa place dans la société actuelle, pour rendre possible une cohabitation dans le monde d’aujourd’hui et celui
de demain.

Plus d’une centaine d’oeuvres de plasticiens, de photographes et de vidéastes
De nombreux artistes contemporains témoignent de leur rapport aux animaux par leurs créations.
Des oeuvres plastiques (Carole Benzaken, Pascal Bernier, Gloria Friedmann, Carsten Höl ler, David Mach, Tony Matel li, Panamarenko, Alain Séchas...), des oeuvres vidéos (Chris Marker, Georges Rey, Muriel Toulemonde) et des ensembles photographiques (Antonio Biasiucci, Nick Brandt, Pia Elizondo, Jil l Freedman, Chris Herzfeld, Henry Horenstein, Philippe Lopparel li…) rythment la totalité du parcours. Deux reportages ont été spécialement commandés à cette occasion : Jane Evelyn Atwood montre la complicité existant entre une jeune comédienne aveugle et son chien guide ; Alex Majoli a saisi les moments privilégiés de la relation entre une ourse Grizzly de 300 kg et son propriétaire.
“Bêtes et Hommes” rassemble 2h30 d’audiovisuels (montage d’extraits) et de productions réalisées pour l’exposition : un dialogue fictif entre Darwin et Kropotkine, un film d’animation sur le monde propre de l’animal et des documentaires sur les outardes, sur la cohabitation avec l’ours dans les Pyrénées, sur le parc national de Guyane et les Amérindiens…

http://www.betesethommes.fr/

 

Du 6 novembre au 9 décembre 2007

Site François-Mitterrand / Allée Julien Cain
Quai François-Mauriac
75706 Paris Cedex 13
Tél : 33(0)1 53 79 59 59 (serveur vocal)

Lignes 6 (Quai de la gare),14 et RER C (Bibliothèque François-Mitterrand)
Bus 89, 62 et 132

Ouvert du mardi au samedi de 10h à 20h et le dimanche de 13h à 19h,
Fermé le lundi et les jours fériés

Entrée libre

 

La Fondation Orange a 20 ans. Pour marquer cet anniversaire, sept photographes de l'agence Magnum - Abbas, Martine Franck, Maya Goded , Alex Majoli, Susan Meiselas, Gueorgui Pinkhassov, Patrick Zachmann - ont été choisis pour illustrer les actions de mécénat de la Fondation. Depuis sa création, la Fondation Orange contribue à créer et à développer des liens dans les domaines de la santé, de l'éducation et de la culture. Toutes les actions qu'elle soutient sont animées par la volonté de rendre accessible et de développer ce que la philosophe Hannah Arendt appelle le « monde commun », un espace d'échange partagé par tous. C'est avec émotion que ces sept regards nous mettent face à ce que, le plus souvent, nous ne voulons pas voir. Ils saisissent des instants de confiance, d'attente et de tendresse et dessinent, dans de surprenantes photographies, les contours de ce monde commun...

http://www.bnf.fr

Du 14 novembre 2007 au 2 mars 2008

Musée Rodin
79, rue de Varenne
75007 Paris
Tél : 01 44 18 61 10
Fax : 01 44 18 61 30

Métro (ligne 13) : Varenne, Invalides ou Saint-François-Xavier
R.E.R (ligne C) : Invalides
Bus : 69, 82, 87, 92

Tous les jours sauf le lundi
Horaires d’hiver (octobre - mars)
Ouverture du musée et de la boutique : de 9h30 à 16h45
Fermeture de l'hôtel Biron : 16h45
Fermeture du parc : 17h00
Dernière entrée : 16h15

Exposition temporaire et jardin
Plein tarif : 6 euros
Tarif réduit : 4 euros

Billet jumelé : collection permanente, exposition temporaire et jardin
Plein tarif : 9 euros
Tarif réduit : 7 euros

 

Par le fait du hasard qui l’a fait naître un an après la photographie, Rodin a mené sa carrière de sculpteur alors que cette nouvelle technique de reproduction vivait sans doute ses années les plus fécondes et les plus inventives.

L’artiste n’échappera pas à l’attrait pratique et esthétique de ce nouveau médium et les quelques 7000 images qu’il rassemble entre 1870 et 1917, illustrent à la fois son histoire et l’histoire de la photographie.

Au cours des années 1880, la photographie nous entraîne dans l’atelier, au coeur de la création, là où les blocs de terre prennent forment, où les Bourgeois de Calais sont modelés nus, avant d’être revêtus, où la Porte de l’Enfer se recouvre d’une multitude de figures. Rodin engage d’abord des photographes de quartier, peu connus, Bodmer, Pannelier, Freuler, qui, contrairement à lui, le resteront.

Puis les terres deviennent plâtres, bronzes et marbres, l’atelier se remplit de plus en plus. Rodin à la fin des années 1890 est devenu un artiste reconnu par ses pairs et par le public. Eugène Druet, photographe amateur puis Jacques-Ernest Bulloz deviennent tour à tour ses photographes officiels et répondent chacun à leur manière aux directives précises de Rodin.
Ce sont leurs images qui seront le plus largement publiées dans la presse. Elles reflètent aussi le désir de l’artiste de contrôler le regard des spectateurs sur son oeuvre, de donner de l’importance à telle ou telle sculpture, de la montrer à un stade bien précis de son développement et d’en présenter l’angle de prise de vue le plus juste. La chronologie est donc le premier fil conducteur de cette exposition, le second sera l’évolution du rôle de la photographie par rapport à l’oeuvre sculptée.

Le pictorialisme, premier mouvement esthétique en photographie, se développe au début du XXème siècle. Les photographes Edward Steichen, Stephen Haweis et Henry Coles, Jean Limet, rattachés à cette école, se présentent à la porte de l’atelier de Rodin en tant qu’artistes à part entière. Le sculpteur, séduit par leur jeunesse, favorisera leur travail et appréciera leur interprétation très personnelle de ses sculptures. En retouchant au pinceau l’image lors de son développement, ces photographes métamorphosent l’oeuvre d’art. C'est l'image de la sculpture qui nous fascine et non plus la sculpture elle-même. Ce doublement de l'oeuvre nous oblige à tenir deux langages, l'un sculptural et l'autre photographique. Double information qu'il est parfois difficile de dissocier tant l'oeuvre et son image s'enrichissent mutuellement pour ne faire plus qu'un dans notre esprit.

« Vos photographies feront comprendre au monde mon Balzac »
A. Rodin à E. Steichen

Cette évolution du rôle et de la place de la photographie dans l’oeuvre sculptée de Rodin est l’exact reflet de ce qui se passe au début du XXème siècle : un regard nouveau est porté sur la photographie qui accède progressivement au rang d’oeuvre d’art.
Cette grande exposition consacrée au fonds photographique du musée Rodin présentera 200 photographies pour la première fois depuis le Salon des Pictorialistes en 1993.

http://www.musee-rodin.fr/accueil.htm

 

Du jeudi 15 novembre 2007 au 26 janvier 2008

Centre Culturel Calouste Gulbenkian
51, avenue d'Iéna
75116 Paris
Tel 01 53 23 93 93
Fax 01 53 23 93 99

Métro : Etoile, Kléber, Georges V, Iéna
Bus : 30, 31, 92

Du lundi au vendredi de 9h00 à 17h30

NC

 

Mark Power est considéré comme l’un des plus importants et des plus éclectiques photographes d’aujourd’hui.
En 1992 il rejoint l’agence Magnum dont il devient membre en 2007.
Cette exposition, d’une soixantaine de tirages en grand format, présente une partie du travail - commandes et projets personnels - réalisés dans les vingt dernières années.

http://www.gulbenkian-paris.org/

 

Du 16 novembre 2007 au 27 janvier 2008

Fondation Cartier
261 boulevard raspai
75014 Paris

Métro : Raispail, Denfert Rochereau

Du lundi au vendredi de 11h à 18h

Plein tarif : 6,50 Euros
Tarif réduit : 4,50 Euros
(étudiants, moins de 25 ans, carte Senior, Amis des Musées, demandeurs d'emploi)
Gratuit : Laissez-passer, Cercle des amis, moins de 10 ans, ICOM

 

La Fondation Cartier pour l’art contemporain présente du 16 novembre 2007 au 27 janvier
2008 la première exposition personnelle de Robert Adams en France. Entièrement conçue par l’artiste et inspirée par ses préoccupations actuelles, elle permet de découvrir ce grand photographe du paysage de l’Ouest américain. Sous le titre On the Edge, l’exposition présente environ cent cinquante photographies exprimant une vision contrastée de l’environnement, à la fois accablante et pleine d’espoir. Elles sont extraites de trois séries aux résonances communes: West from the Columbia (1990-1992), Time Passes (1990-1992) et Turning Back (1999-2003). Également exposés, les remarquables ouvrages publiés depuis 1970 par Robert Adams parallèlement à son travail photographique permettent de retracer la brillante carrière de l’artiste et invitent le visiteur à découvrir sa passion plus secrète pour les livres, un médium artistique pour lui tout aussi important que la photographie.

Robert Adams est né en 1937 à Orange dans le New Jersey et vit actuellement à Astoria, dans l’État de l’Oregon. Docteur en littérature anglaise, il a enseigné à l’université pendant presque dix ans, avant d’opter définitivement pour la photographie à la fin des années 60. Si l’homme est absent de ses images de paysages urbains et ruraux de l’Ouest américain, c’est son influence sur l’environnement qui est prédominante: un panneau publicitaire installé au beau milieu d’une colline boisée, des chantiers de construction de banlieues résidentielles, des graffitis perturbant la tranquillité d’un paysage désertique, des forêts ayant subi les conséquences de la «coupe claire», cette technique permettant d’abattre rapidement des forêts entières. Ses réflexions profondes et sensibles, mais aussi critiques et politiques, ont valu à Robert Adams des récompenses prestigieuses comme le Spectrum International Prize for Photography et le Deutsche Börse Photography Prize. Il a également obtenu les bourses de la Fondation Guggenheim et de la Fondation MacArthur, ainsi que du National Endowment for the Arts.

Robert Adams a participé à de nombreuses expositions collectives et a présenté des expositions personnelles dans des institutions du monde entier, dont une grande rétrospective au Philadelphia Museum of Art en 1989.
Outre ses nombreux livres d’artiste, Adams a publié deux essais théoriques salués par la
critique, Beauty in Photography: Essays in Defence of Traditional Values 1 (1981) et Why People Photograph: Selected Essays and Reviews (1994), ainsi qu’une série d’entretiens intitulée Along Some Rivers (2006).

L’exposition On the Edge confronte les deux types de paysages que Robert Adams est amené à observer depuis sa maison située sur la côte ouest des États-Unis. Il est fasciné par la pensée que «si l’on se tourne vers l’est, on fait face aux vestiges d’une forêt pluviale, l’une des plus belles du monde avant qu’on l’eût détruite, tandis que si l’on se tourne vers l’ouest, on contemple la mer immense. Elle n’est pas intacte, mais elle est encore belle et, comme toute beauté, contient en elle une promesse.» La juxtaposition remarquable de ces visions indissociables mais géographiquement opposées invite à nous poser les questions soulevées par l’artiste lui-même: «Sommes-nous libres d’agir selon notre désir? Devons-nous être tenus pour responsables des conséquences de nos actes? Pourrons-nous être pardonnés?»

Dirigeant son regard vers l’ouest, Robert Adams a réalisé au début des années 90 les séries West from the Columbia et Time Passes, le titre de cette dernière faisant référence à l’un des chapitres de To the Lighthouse [Vers le Phare] de Virginia Woolf.
Ces images hypnotiques et pleines d’espoir de l’océan semblent annoncer une renaissance et une rédemption; des vagues apaisantes transportent le spectateur vers un autre espace et un autre temps. Lorsque Robert Adams s’est tourné vers l’est, une tout autre série a vu le jour. Réalisée de 1999 à 2003, Turning Back consiste en une étude de la déforestation et contraste violemment avec la sérénité de West from the Columbia et Time Passes.
Elle témoigne de la rapidité avec laquelle les forêts de l’Ouest américain ont disparu, un phénomène dénoncé par Robert Adams: «La pratique de la sylviculture industrielle s’appuyait et s’appuie toujours sur une méthode agressive appelée “coupe claire” qui consiste à laisser la terre presque à nu. L’expérience apporte la preuve évidente que la coupe claire aboutit finalement à l’épuisement des sols, à la déforestation
et au changement climatique. » Choisies par Adams pour être présentées à la Fondation Cartier, ces trois séries reflètent précisément les pensées et les paysages qui sont actuellement au coeur de ses tourments et de ses préoccupations.
La quarantaine de livres présentée dans l’exposition On the Edge permet d’évoquer le travail très personnel de Robert Adams sur l’évolution du paysage américain depuis les années 60, un spectacle suscitant chez lui tantôt la crainte, tantôt la curiosité ou l’enthousiasme. Chaque ouvrage est un objet d’art en tant que tel et représente une forme d’expression artistique autonome, comme en témoignent le soin et l’attention portés par l’artiste à chacun de ses livres. Publiés pour un grand nombre d’entre eux en tirage limité et devenus de véritables pièces de collection, ces livres sont exposés ici pour la première fois dans une présentation exhaustive.

À l’occasion de son exposition à la Fondation Cartier, Robert Adams conçoit un nouvel ouvrage rassemblant les trente-deux photographies de la série Time Passes, jusqu’alors inédites.
La Fondation Cartier a également le plaisir de publier En longeant quelques rivières, première traduction française d’un ensemble d’entretiens avec Robert Adams réalisés par des historiens d’art, conservateurs, photographes, étudiants, écrivains et professeurs (publié par Aperture en 2006 sous le titre Along Some Rivers).

http://fondation.cartier.com/

 

Du 04 décembre 2007 au 17 février 2008

Site sully
Hotel de Sully
62 rue Saint Antoine
75004 Paris
Tel : 01 42 74 47 75

Mardi à vendredi : 12h à 19h
Samedi et dimanche : 10h à 19h
Fermeture le lundi

Plein tarif : 5 €
Tarif réduit : 2,50 €

Un billet groupé pour les sites Concorde et Sully est disponible :
- Plein tarif, 8 €
- Tarif réduit, 4 €
Ce billet est valable pendant toute la durée des expositions sur le deuxième site.

Abonnement annuel
"Laissez-passer" du Jeu de paume valable un an à compter de l'inscription.
Plein tarif : 31 €
Tarif réduit : 23 €
Duo : 46 €

 

Le Jeu de Paume invite une personnalité européenne de la photographie, Ute Eskildsen, conservatrice au Museum Folkwang, Essen, à revisiter les fonds photographiques de la Médiathèque de l'architecture et du patrimoine, pour établir un dialogue entre ces œuvres et celles dont elle assure la conservation en Allemagne.

http://www.jeudepaume.org

Du 17 janvier 2008 au 13 avril 2008

Fondation Henri Cartier Bresson
2 impasse Lebouis
75014 Paris

Tel : 01 56 80 27 00

Du mardi au dimanche de 13h à 18h30 - dernière entrée 30 mn avant la fermeture
Le samedi de 11h à 18h45
Nocturne le mercredi jusqu’à 20h30
Fermé lundi et jours fériés (sauf 25 mai et 11 novembre)

Plein tarif : 3 €
Tarif réduit : 5 €
Gratuit en nocturne le mercredi (18h30 – 20h30)

Saul Leiter a réalisé ses premières photographies au début des années 1940 dans les rues de New York. Ce travail fut montré au Musée d’Art Moderne de New York en 1953 et en 1957. Pendant 20 ans il continua d’arpenter les rues, et son travail fut redécouvert bien plus tard, au milieu des années 1990. Il est aujourd’hui unanimement célébré. La Fondation HCB est heureuse de présenter pour la première fois en France une rétrospective de son oeuvre couleur et noir et blanc.

Saul Leiter n’était pourtant pas voué à devenir photographe. Né à Pittsburgh en 1923, fils d’un rabbin renommé, brillant étudiant en théologie à Cleveland, il décide à l’âge de 23 ans d’abandonner ses études et de s’installer à New York pour se consacrer à sa passion première – la peinture. Sous l’influence notamment du peintre Richard Pousette-Dart, il commence à s’intéresser à la photographie. En 1947, après avoir visité l’exposition de Cartier-Bresson au MoMA, il décide de devenir photographe. Il se procure un Leica et flâne dans les rues de New York, qu’il photographie dans un premier temps en noir et blanc. En 1948, il se tourne vers la couleur, et il alternera désormais entre les deux supports. En 1953, Steichen, alors conservateur en chef de la photographie au MoMA, sélectionne vingt-cinq de ses tirages noir et blanc pour l’exposition «Always the Young Stranger», puis en 1957, intègre une vingtaine de ses images couleur pour une conférence qu’il donne au
MoMA : «Experimental Photography in Color».

Si ses photographies de rue sont aujourd’hui l’objet de sa renommée, Saul Leiter s’est pendant de longues années illustré en tant que photographe de mode : il y consacra la plus grande partie de sa carrière - de ses débuts en 1953 dans son studio de Bleeker Street, au milieu des années 1980. En 1957, Henry Wolf, directeur artistique légendaire, publia pour la première fois ses images dans le magazine Esquire, puis dans Harper’s Bazaar. Il devint dès lors l’un des grands photographes du milieu et travailla pour les magazines de mode les plus prestigieux.

Son travail de rue, plus personnel, n’a été redécouvert qu’à la fin des années 1990, grâce notamment à la Howard Geenberg Gallery (New York) qui organisa en 1993 une exposition de ses photographies noir et blanc, et à Martin Harrison, auteur en 2006 du premier ouvrage de Saul Leiter, « Early Color » (Steidl). La Howard Greenberg Gallery a depuis présenté maintes fois son travail, qui a acquis ces dix dernières années une sérieuse notoriété.

La Fondation HCB présente une centaine d’images couleur et noir et blanc réalisées de 1947 à la fin des années 1960, pour la plupart des tirages d’époque - les épreuves noir et blanc ont été réalisées par Saul Leiter lui-même - empruntés à la Howard Greenberg Gallery, et à des collections privées. Les deux univers, distincts et complémentaires, sont exposés séparément. Les noir et blanc, parmi lesquelles ses premières images, ont toutes été réalisées dans les rues de New York. Elles montrent des silhouettes en transit, des ombres, visions mystérieuses et indirectes entre romantisme et film noir. En couleur, à New York surtout, mais aussi à Paris, à Rome ou en Espagne, les tons, à la fois vifs et déteints, l’absence de contours stricts, font de ses photographies des oeuvres plastiques dans l’esprit des peintres Bonnard ou Vuillard, qu’il admire.

Saul Leiter a saisi un entre-deux-mondes délicat à mille lieux de la jungle urbaine qui lui servait de sujet. Un monde flottant, embué, dans une succession infinie de mises en abîmes, tendant volontiers vers l’expressionisme abstrait de ses peintures. Ses images métamorphosent la réalité pour créer un univers à la fois poétique, onirique et apaisant, sur lequel plane la douceur de la mélancolie.

Saul Leiter vit toujours à New York, où il continue de peindre et de photographier, dans la plus grande discrétion.

http://www.henricartierbresson.org

Du 29 janvier 2008 au 13 avril 2008

BNF
Site Richelieu - Galerie de photographies
58 rue de Richelieu
75002 Paris

Métro : Lignes 3 (Bourse),1 et 7 (Palais-Royal), 7 et 14 (Pyramides)
Bus 20, 29, 39, 67, 74 , 85

Mardi-samedi de 10 h à 19 h. Dimanche de 13 h à 19 h.
Fermé lundi et jours fériés.

Entrée libre

 

La peinture d'histoire demeura, durant toute la période classique, le « Grand genre ». Les messages qu'elle véhiculait l'emportant sur la recherche esthétique, elle sombra sous le poids des conventions, et souffrit de la concurrence de modes de représentation en apparence plus réalistes. Le défi que Carl de Keyzer lance à la photographie est de renouer avec ce vocabulaire plastique délaissé et d'en proposer une relecture. Les photographies présentées dans cette exposition sont le fruit des reportages de Carl de Keyzer sur les théâtres de conflits récents (Angola, Burundi, Côte d'Ivoire?) ou dans les villes abritant les grands parlements (Washington, Bruxelles, Pékin?). L'ensemble de Tableaux d'Histoire, Tableaux de Guerre, Tableaux Politiques, constitue la série Trinity commencée en 2001. Carl de Keyzer réinterprète ici la peinture historique, non pour ressusciter le genre, mais pour en interroger les mécanismes.

Quelle image mérite de devenir document ? Quelle est sa valeur de vérité ? Dans quel agencement trouve-t-elle sa signification ? Les séries de Carl de Keyser nous révèlent que les événements ne prennent leur envergure que par un choix de l'historien dans un continuum temporel, que nous ignorons les visages des véritables décideurs, que les grandes batailles ne sont guère représentables que par leurs effets et leurs vestiges. Le temps devient une étendue et l'histoire une question de point de vue, substituable et mouvant, car aucun n'est légitime dans l'absolu.